A capital recebe o 1º Seminário Mercosul do Rock, encontro inédito que reúne artistas, pesquisadores e gestores para discutir patrimônio, resistência e o futuro do gênero na América Latina.   Muito além de guitarras, riffs e grandes clássicos, o rock também é memória, identidade, resistência e uma das mais importantes manifestações culturais da América Latina. É com esse olhar que Brasília recebe, entre os dias 10 e 12 de julho, o 1º Seminário Mercosul do Rock: Patrimônio, Resistência e Arte na América Latina. O encontro acontece no Espaço Cultural Renato Russo (508 Sul) e propõe três dias de debates, oficinas, painéis e shows para pensar o papel do gênero na sociedade e seus próximos passos. A iniciativa é do coletivo e Ponto de Cultura Setorial Cultura Rock, movimento de atuação nacional voltado ao fortalecimento do gênero por meio de políticas públicas, valorização patrimonial e incentivo à cadeia produtiva. O grupo reúne projetos como a 1ª Conferência Livre Nacional do Rock, o Inventário Participativo do Rock, o Mapa do Rock Brasil e a websérie Setorial Rock Shots. A realização é da AACUC (Associação de Arte e Cultura de Ceilândia), com recursos públicos destinados ao fortalecimento da cultura. Mais do que promover discussões, o seminário quer responder a uma questão central: como transformar o rock em um patrimônio cultural reconhecido, fomentado e integrado ao desenvolvimento da América Latina? Para isso, reunirá pesquisadores, artistas, gestores e produtores na construção de propostas concretas para o setor. O evento acontece em um momento importante para o reconhecimento institucional do gênero. No Distrito Federal, o rock já é Patrimônio Cultural Imaterial desde 2016 e, em 2024, passou a ter também o Dia do Rock Brasiliense, celebrado em 27 de março. Paralelamente, tramita no Congresso Nacional o Projeto de Lei nº 4.354/2024, de autoria da deputada federal Erika Kokay, elaborado a partir de iniciativa técnica do Setorial Cultura Rock, que busca reconhecer oficialmente o rock como manifestação da cultura nacional. “Já passou da hora de pensarmos o Rock para além da música. Ao longo de sua história nas Américas, o Rock consolidou-se como uma expressão de identidade, liberdade e resistência, conectando diferentes povos, culturas e gerações. Trata-se de uma cultura viva, transversal e transformadora, capaz de fortalecer identidades, inspirar comportamentos, impulsionar a economia criativa e contribuir para o desenvolvimento econômico, humano e social“, afirma João Mancha, diretor-presidente do Setorial Cultura Rock e coordenador-geral do seminário. A programação está estruturada em três grandes eixos: o rock como manifestação de resistência durante as ditaduras militares latino-americanas; a contemporaneidade do gênero, com foco em diversidade, inclusão e economia criativa; e a integração cultural entre Brasil e os demais países do Mercosul. Além dos debates, o público poderá participar de oficinas presenciais sobre gestão de redes sociais, comunicação e imprensa para bandas e festivais, boas práticas de palco e economia criativa. As atividades serão realizadas em formato híbrido, com transmissão online, ampliando o alcance para participantes de toda a América Latina. As tardes terão apresentações de DJs e performances artísticas na Sala Multiuso. Já as noites serão dedicadas aos shows no Galpão Hugo Rodas, com apresentações das bandas Mitsein, Amazing, Podrera, Evil Corpse, Faces dos Caos e Detrito Federal. A programação completa e as inscrições gratuitas para palestras e oficinas estão disponíveis on line, clica aí! Fotos: Divulgação e Giancarlo Duarte / Unsplash (capa)  

Exposição individual celebra a obra de Francisco Galeno na Caixa Cultural Brasília. Está em cartaz na CAIXA Cultura Brasília, a exposição “Galeno, o mistério do simples“. A mostra, idealizada pela Referência Galeria de Arte, nasceu ainda com a participação ativa do artista, que acompanhou o desenvolvimento do projeto e escolheu pessoalmente o amigo e renomado curador Paulo Herkenhoff para assinar a curadoria. O resultado é uma exposição que transcende o caráter retrospectivo e se transforma em uma grande celebração de sua trajetória, de sua sensibilidade e da profunda conexão que construiu com o Brasil, suas memórias e sua cultura popular. No último dia 16 de junho, familiares, amigos, artistas, colecionadores, representantes da cena cultural e admiradores da obra de Francisco Galeno se reuniram para homenagear um dos maiores nomes da arte contemporânea brasileira, pouco mais de um ano após sua partida. Com mais de 120 obras e objetos, a exposição apresenta um amplo panorama da produção de Galeno, reunindo pinturas, esculturas, gravuras, documentos, fotografias, objetos pessoais e obras emblemáticas que atravessam diferentes momentos de sua carreira. O público também pode conhecer aspectos íntimos da vida do artista, suas referências afetivas, sua relação com Brazlândia, com o Piauí e com o Botafogo, time que acompanhou apaixonadamente ao longo da vida. Durante a abertura, a presença da família deu um tom ainda mais especial ao encontro, que começou com uma apresentação do filho Diego Galeno ao violão. Entre abraços, lembranças e reencontros, amigos e admiradores celebraram o legado de um artista que transformou a simplicidade em poesia visual e construiu uma obra reconhecida pela autenticidade, pela alegria das cores e pela capacidade de dialogar com diferentes gerações. A exposição permanece aberta ao público até o dia 4 de outubro e ocupa todos os espaços expositivos da Caixa Cultural Brasília. Considerada a maior mostra já realizada sobre Francisco Galeno, a iniciativa reafirma a relevância de sua produção para a arte brasileira contemporânea e mantém viva a memória de um criador que fez da imaginação, da cultura popular e das experiências cotidianas matéria-prima para uma obra singular. Após a temporada na capital federal, Galeno, o mistério do simples seguirá em itinerância para a Caixa Cultural São Paulo e, posteriormente, para a Caixa Cultural Rio de Janeiro, ampliando o alcance de uma homenagem à altura da importância de Francisco Galeno para a arte brasileira.

Encontro de gerações inaugura temporada de mostras onde curadorias investigam a imagem, o tempo e a interioridade pelas obras de Claudio Tozzi e mais doze artistas de expressão. No último sábado, 23 de maio, cerca de 150 convidados estiveram na Cerrado Cultural, no Lago Sul, para a abertura simultânea das exposições “Uma continuidade como respiro”, de Claudio Tozzi, e da coletiva “Abismal… Abissal”. Entre artistas, curadores, colecionadores e convidados, o público percorreu os espaços da galeria e acompanhou um panorama que articula diferentes gerações e produções da arte contemporânea brasileira. No pavimento principal, sob curadoria do italiano Cristiano Raimondi, a exposição “Uma continuidade como respiro”, de Claudio Tozzi, propõe um percurso não cronológico por mais de 20 obras, entre pinturas e esculturas realizadas de 1963 até os dias atuais. Para aproximar Brasília da atmosfera do ateliê do artista em São Paulo, as paredes da galeria receberam o mesmo tom presente na casa de Tozzi. “Mais do que apresentar diferentes fases de maneira linear, meu interesse foi evidenciar como certas tensões formais, políticas e perceptivas atravessam toda a obra de Tozzi, transformando-se continuamente sem jamais perder o seu núcleo inicial”, afirma Raimondi, destacando o diálogo entre a histórica “Multidão” (1968) e a recente “Território” (2012). No outro espaço da galeria, a coletiva “Abismal… Abissal”, com curadoria de Tálisson Melo, apresentou obras de 12 jovens artistas em destaque na cena contemporânea: Manuela Costa e Silva, Raquel Nava, Abraão Veloso, Estevão Parreiras, Rebeca Miguel, Ana Hortides, Isabela Seifarth, Talles Lopes, Walter Pimentel, Genor Sales, Tor Teixeira e Raylton Parga. Partindo da ideia de abismo como experiência geográfica e subjetiva, a exposição articula questões ligadas ao interior do país, à memória e aos atravessamentos afetivos. “O título traz dois adjetivos que compartilham a mesma raiz, o abismo. Entendi que esse profundo do abismal e do abissal dialogava tanto com a expressão ‘Brasil profundo’, usada para falar do interior, quanto com a nossa subjetividade”, afirma o curador. Para Lúcio Albuquerque, sócio-diretor da Cerrado Cultural, o encontro entre as duas exposições sintetiza o compromisso do espaço, criado em 2022 com foco na valorização da produção artística do Centro-Oeste. “Temos uma exposição de um artista com mais de seis décadas de percurso, que já faz parte da história da arte contemporânea brasileira, e uma segunda mostra coletiva que reúne a produção de 12 artistas jovens, em sua maioria do Distrito Federal e de Goiás. Com isso, podemos oferecer um panorama mais amplo sobre a vasta produção de arte contemporânea brasileira”, afirmou durante a abertura. As exposições “Uma continuidade como respiro” e “Abismal… Abissal” seguem em cartaz na Cerrado Cultural, no Lago Sul, em Brasília, até 25 de julho. O espaço fica na QI 05, Chácara 10, com entrada gratuita e visitação de segunda a sexta, das 10h às 19h, e aos sábados, das 10h às 13h. Mais informações podem ser acompanhadas no Instagram da galeria, @cerrado.galeria. Confira quem prestigiou o evento pelas lentes desse fotógrafo/colunista: Serviço: Uma continuidade como respiro (Claudio Tozzi) e Abismal…Abissal (Coletiva com 12 artistas) Curadorias: Cristiano Raimondi e Tálisson Melo Período expositivo: 23 de maio a 25 de julho de 2026 Onde: Cerrado Cultural – SHIS QI 05, Chácara 10, Lago Sul, Brasília/DF Horários: Segunda a sexta, das 10h às 19h; sábado, das 10h às 13h Entrada: Gratuita / Classificação livre Siga: @cerrado.galeria Fotos: Gilberto Evangelista

SESI Lab promove oficina que é um verdadeiro convite à uma imersão no universo de Jair Molina Jr. Há algo de quase artesanal e, ao mesmo tempo, profundamente experimental nas obras do cineasta Jair Sanches Molina Jr. Ele não apenas filma – ele projeta imagens mapeadas sobre palcos, paredes, corpos, telas, experimenta em holografia, realiza ficção e documentários, dirige programas de televisão e podcasts em rádio, produz festivais de cinema ao ar livre, escreve artigos e livros, enquanto articula a criação de ciclovias e novos parques pelas cidades, confundindo as fronteiras entre o que é tela, o que é espaço, e o que é tempo presente. Entre os dias 19 e 22 de maio, das 14h30 às 17h, no SESI Lab, o realizador paulista conduz uma oficina sobre Audiovisual Expandido que promete menos ensinar uma técnica do que desmontar certezas sobre o qual a função do audiovisual na contemporaneidade. O que leva um diretor de curtas premiados, como “O Plantador de Quiabos”, a dedicar anos de pesquisa ao Cinema ao Vivo e ao Videomapping dentro de companhias de teatro? Molina traz na bagagem parcerias com o Teatro Oficina de Zé Celso, a Cia. Livre e o Teatro de Narradores. Ele é professor universitário, pesquisador do LabArteMídia e autor de dois livros que escancaram poéticas e técnicas em constante movimento. O primeiro foi traduzido para seis idiomas, inclusive em russo. O mais recente, “Cinema ao Vivo e Experiências Audiovisuais em Tempo Real” (2024), funciona como diários de bordo de suas experimentações. Durante a oficina, os participantes realizarão experimentos de projeção. É um convite para pensar o audiovisual como matéria espacial, tátil, em tempo real. Mas quem é, de fato, o artista por trás dessa metodologia inquieta? O que o levou a fundar o festival Cine-Cicletada e a dirigir a produtora Okra Filmes? Há um fio invisível ligando suas memórias de criação, suas referências teatrais e sua prática docente – e ele raramente é desfiado em entrevistas convencionais. No dia 23 de maio, a partir das 10h, Molina sobe ao palco do Auditório do SESI Lab para uma palestra aberta. Será a chance de vê-lo discorrer sobre os bastidores conceituais de sua trajetória múltipla. Mas o encontro mais revelador, talvez, aconteça antes, na iluminação entre um experimento de projeção e outro, ou numa conversa informal, quando o artista se permite lembrar por que, afinal, decidiu expandir o audiovisual para além de qualquer tela. Fica a pergunta no ar: o que ainda não foi dito sobre esse criador que transita com tanta liberdade entre a tela, o palco, a sala de aula e as páginas? Serviço: 4ª Residência Artística MEU LUGAR Local: SESI Lab Endereço: Setor Cultural Sul, Bloco A, Asa Sul Acessibilidade: Libras nas palestras e oficinas no SESI Lab Mais informações e inscrições: @nucleodepesquisadacena Fotos: Alex Litvin – Unsplash (capa) / Divulgação

A arquitetura brasiliense fica ainda mais provocativa através do olhar de Luis Jungmann Girafa em fotolivro recém-lançado.  O que é uma abstração? A pergunta – que poderia ser respondida tanto pela filosofia quanto pela psicologia, pelas artes visuais ou por tantas outras áreas do saber humano, mas quase sempre distante do concreto – encontra uma de suas possíveis e mais lúdicas definições em A Cidade Abstrata. O novo livro reúne 100 fotografias do artista multilinguagem Luis Jungmann Girafa. Com edição da Matéria Plástica Arte Atemporânea, a obra é fruto de seus mais de 70 anos de vida, dos quais mais de quatro décadas foram dedicadas às artes no Distrito Federal. “A Cidade Abstrata é uma série de fotos que dizem respeito a Brasília e que tem esse conteúdo que não é descritivo, é uma coisa mais provocativa, que são detalhes do urbanismo que nos centra. É um livro que eu busco capturar cenas que não necessariamente correspondam à realidade do que está sendo fotografado, mas que você tenha uma representação”, explica Luis Jungmann Girafa. O lançamento da obra ocorreu na segunda semana de maio, na livraria Platô (405 Sul). O público pôde adquirir a obra no local (R$ 80) e participar da sessão de autógrafos com o autor, que contou ainda com brindes, apresentação musical do Duo Teclados e Cordas – com Renato Vasconcelos e Paulo Andretta Vares – e uma exposição de diversos quadros de autoria de Girafa, que seguem disponíveis para venda. A Cidade Abstrata A publicação reúne uma seleção intuitiva do trabalho de Girafa, evidenciando o refinamento do olhar deste premiado fotógrafo, que atua também como arquiteto, cineasta e artista plástico. A obra sugere uma provocação sobre o espaço de viver e a arte, revelando não somente a geometria de Brasília e suas infinitas possibilidades, mas o interessante paradoxo de uma paisagem urbana que nasceu planejada, feita de materiais que remetem a tudo o que é sólido e perene. De fato, as imagens captadas por Girafa proporcionam novos ângulos e leituras acerca da capital: a institucionalidade brutalista contrasta com certa precariedade; frestas por onde pessoalidades vazam outros matizes. Transeuntes anônimos, trabalhadores e usuários do equipamento urbano completam e vivificam as cenas. Fruto de financiamento do Fundo de Apoio à Cultura do Distrito Federal (FAC-DF), o projeto prevê ainda a distribuição gratuita de 30% da tiragem. Nas páginas de A Cidade Abstrata, fica evidente que “a luz torna-se forma geométrica, a linha se transforma em traço de cor, a textura ganha proporção, e o volume se define como espaço dentro do enquadramento. Luiz Jungmann evidencia, em suas imagens, os variados da linguagem visual, deixando, ao mesmo tempo, uma brecha para o simbólico e o lírico, marcando o desejo de busca pela expressão sensível, em que os elementos visíveis não se limitam a formas composicionais, mas transmitem intensidades subjetivas”, afirma a curadora Cinara Barbosa. “Nesse ritmo, o livro apresenta imagens que quebram padrões, ora de um modo, ora de outro, trazendo movimento por meio de vestígios de plástico bolha, telas de sombreamento utilizadas na construção civil, sugerindo o passado da cidade planejada. Ao mesmo tempo, revela a Brasília que se transforma em uma escala cotidiana de presença viva, tecida pelas marcas de sua ocupação humana”, complementa a curadora. Responsável pela pergunta inicial deste texto, a poeta brasiliense Maria Lúcia Verdi – que assina o texto de abertura do livro – acredita que a intenção de Luis Jungmann Girafa é 100% provocativa na obra ao estampar “imagens que documentam a interminável possibilidade de abstração, contida na geometria de Brasília. Recortes exatos, detalhistas, olhar preciso sobre construções e desconstruções presentes na cidade – neles, a presença do cimento, da pedra, do ferro, do vidro, da madeira, do plástico, da argila. Os corpos do concreto em todas as gradações do cinza e em todas as cores. Mas existem reflexos, traços, riscos, fraturas encontráveis em distintas superfícies, que remetem literalmente à arte abstrata – o olhar vagando do chão ao teto, recolhendo-as”. Já o autor modestamente afirma ser um “fotógrafo sem estilo” que acredita que “a fotografia tem que ir para o papel. Seja no jornal, na revista, no porta-retratos, na parede ou nas páginas de um livro”. Como é o caso de A Cidade Abstrata, um trabalho que nasceu e se desenvolveu de forma muito intuitiva. “Eu não pretendo guiar o olhar de ninguém, prefiro que as pessoas gostem, de alguma forma, que se sintam atraídas pelas imagens e assim façam a sua própria viagem”, sentencia. Sobre o autor Luis Jungmann Girafa é uma figura múltipla e transdisciplinar, um autêntico “homem renascentista” do Planalto Central, cuja atuação transita de forma fluida por diversas linguagens. Arquiteto, artista plástico, fotógrafo, cineasta, poeta, cenografista, ilustrador e professor, Girafa tem sua trajetória profundamente entrelaçada com Brasília – cidade onde absorveu, desdobrou e reinventou a herança modernista. Graduado e mestre pela Universidade de Brasília (UnB), onde se consolidou como professor da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo (FAU), ele utiliza a visão espacial e o rigor construtivo como alicerces de sua produção. Nas artes plásticas, destaca-se pela abstração geométrica e pela criação de “maquetes poéticas”. Na fotografia, premiada e reconhecida nacionalmente, foge do mero registro para investigar texturas e composições geométricas, fazendo a ponte entre a tradição dos pioneiros construtivistas e a arte visual contemporânea. Essa mesma percepção do espaço e da luz é transportada para o audiovisual, área em que atua com direção de arte e direção-geral (como no projeto Eu Não Sei), tendo sido consagrado no 54º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro (2021) com dois troféus Candango de Melhor Filme e Melhor Montagem pelo longa-metragem Acaso. Em essência, Girafa une a precisão do arquiteto à subversão do artista: domina as regras do espaço e da gravidade para, por meio da arte, subvertê-las e criar novos mundos. Serviço: “A Cidade Abstrata”, de Luis Jungmann Girafa À venda na Livraria Platô – CLS 405, Bloco A, Loja 12, Asa Sul – Brasília/DF Valor do livro: R$ 80 (à venda no local ou diretamente com o autor –

A notícia que abalou o mundo da música: após duas décadas, a Rainha do Pop decide revisitar a pista de dança mais famosa do mundo e anuncia a sequência do icônico álbum de 2005. E tem mais novidade chegando neste sábado…   Hoje eu aproveito este espaço que a Coluna #PERAMBULANDO me proporciona para dividir com vocês uma das minhas grandes paixões: Madonna. Sim, este jornalista é um dos milhões de fãs dessa mulher incrível que, no começo da semana, parou a internet ao anunciar o lançamento de mais um álbum de estúdio, o aguardadíssimo Confessions II. E como se já não fosse o suficiente para o caração de um fã alucinado, há pouco mais de três horas, neste sábado 18 de abril de 2026 (dia do meu aniversário) ela me presenteia com o lançamento da primeira música em suas plataformas digitais: I Feel So Free… Obrigado pelo present Madge! O fato de que essas novidades deixam muita gente contando os dias é completamente compreensível: afinal, após mais de quatro décadas de carreira, ela continua encantando e, acima de tudo, ditando o ritmo do jogo. Isso porque, desta vez, a eterna “Material Girl” decidiu olhar para o próprio legado para projetar o futuro. Confessions II chega como a continuação direta do aclamado disco de 2005, que nos presenteou com o hino Hung Up. Em comunicado oficial divulgado pela Billboard, Madonna foi enfática sobre a filosofia por trás desse novo trabalho: “Eu queria voltar ao lugar onde a liberdade é a única regra. Para mim, a rave é uma arte; é um espaço sagrado de expressão onde o corpo e o espírito se fundem na batida“. Essa declaração explica muito sobre a sonoridade que podemos esperar: um mergulho profundo na cultura clubber, mas com a maturidade e a visão artística que só ela possui. Aos 67 anos, Madonna prova que a idade é apenas um detalhe diante de uma mente que não para de criar. O burburinho global – que dominou desde as manchetes do G1 até os portais da BBC, sem falar nas publicações especializadas – confirma que o mundo ainda precisa da dose de ousadia que só a Rainha do Pop sabe aplicar. Ela não está apenas lançando músicas novas; ela está reivindicando seu trono na pista de dança, reafirmando que a celebração e a arte de se perder na música são essenciais. Eu, particularmente, já estou com a minha playlist de aquecimento pronta, revisitando os clássicos enquanto aguardo esse novo capítulo que promete redefinir, mais uma vez, o que entendemos por música pop de qualidade. E do outro lado da tele, quem por aí também está com o nível de curiosidade nas alturas por conta de Confessions II? Fotos: Reprodução

Assistido por mais de 150 mil espectadores, em pouco mais dois anos desde a sua estreia, espetáculo sobre advogada de abusadores conquistou as principais premiações do teatro. Em cena, Débora Falabella vive a bem-sucedida advogada Tessa, que tem acusados de violência sexual entre seus clientes. Vinda de uma família pobre, ela batalhou e venceu no complexo mundo da advocacia. Ao mesmo tempo em que experimenta o sucesso, Tessa precisa encarar uma crise que a obriga a rever uma série de valores e princípios, além de refletir sobre o sistema judicial, a condição feminina e as relações conturbadas entre diversas esferas de poder. Prima Facie cumpre temporada nos dias 30 de abril e 1ª de maio no Teatro Planalto, do Centro Convenções Ulysses, com sessões quinta, às 20h, e sexta, às 15h30 e às 20h. Mas corra e garanta seu lugar pelo Sympla, pois os últimos ingressos da sessão extra estão quase acabando, e os das demais já não restam mais. O fato é que a montagem, que estreou em abril de 2024 no Rio de Janeiro, é um verdadeiro fenômeno de público. Com curtas temporadas de sessões lotadas em Brasília, Belo Horizonte, Salvador, Curitiba, além dos oito meses em cartaz em São Paulo e dos quatro no Rio de Janeiro, a peça alcançou um público superior a 150 mil espectadores. Em agosto de 2024 em Brasília, o espetáculo recebeu a ministra Cármen Lúcia, do STF, Ayres Britto, ex-ministro do STF, e a ex-subprocuradora Geral da República, Raquel Dodge, para uma bate-papo após a sessão. Durante a temporada no Rio de Janeiro, foram debatidos temas como a representatividade feminina no judiciário e a legislação de violência sexual, com a presença de advogadas de esferas distintas. Desde a sua estreia em Londres, em 2022, Prima Facie seguiu uma trajetória meteórica. Escrito por Suzie Miller, o texto ganhou dezenas de montagens ao redor do mundo, conquistou a Broadway e o West End inglês, e inspirou debates e esforços para mudar algumas leis britânicas. Devido ao êxito, a autora foi convidada para debater sobre o abuso contra mulheres na ONU. Premiações Débora Falabella venceu os Prêmios Shell, APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte), APTR (Associação de Produtores de Teatro) e Bibi Ferreira de Melhor Atriz. Já a obra recebeu o Prêmio Arcanjo de Melhor Solo e outros quatro troféus da APTR, sendo: Direção (Yara de Novaes), Cenografia (André Cortez), Iluminação (Wagner Antonio) e Figurino (Fabio Namatame).  Ficha técnica Atuação: Débora Falabella | Texto: Suzie Miler | Direção: Yara de Novaes | Tradução: Alexandre Tenório | Cenário: André Cortez | Figurino: Fabio Namatame | Iluminação: Wagner Antonio | Trilha Sonora: Morris | Consultoria jurídica: Maria Luiza Gomes e Mateus Monteiro | Direção de Produção: Catarina Milani | Assistentes de Direção: Ivy Souza e Renan Ferreira | Idealização: Edson Fieschi e Luciano Borges | Realização: Borges & Fieschi Produções e Antes do Nome | Assessoria de imprensa em Brasília: Território Comunicação | Produção em Brasília: DECA Produções. Corre que está acabando! Prima Facie / Teatro Planalto do Centro de Convenções Ulysses – Setor de Divulgações Culturais (SDC), Lote 5, Eixo Monumental / 30 de abril e 1º de maio – quinta, às 20h, e sexta, às 15h30 e às 20h / Ingressos pelo Sympla a partir de R$ 80 / 100 minutos / 14 anos / Siga @primafaciebrasil Com informações da Assessoria de Imprensa – Fotos: Annelize Tozetto

Com texto original e direção de Marcio Abreu, o espetáculo dialoga com a obra do neurocientista Sidarta Ribeiro e traz reflexão sobre a importância de sonhar coletivamente.   “Visto de cabeça para baixo, esse mundo torto pode ter jeito”, escreveu Sidarta Ribeiro em seu livro Sonho Manifesto, que foi um dos pontos de partida para a pesquisa e criação da peça Sonho Elétrico, que chega ao Centro Cultural Banco do Brasil Brasília, e cumpre temporada até 3 de maio de 2026, de quinta a sábado, às 20h, e domingo, às 18h. Com texto e direção de Marcio Abreu e produção da Companhia Brasileira de Teatro, que está celebrando seus 25 anos de atividades ininterruptas, o espetáculo tem o elenco formado pelos artistas Verónica Valenttino, Jessyca Meyreles, Idylla Silmarovi e Cris Meirelles, e a presença do pianista Luís Chamis em cena. Os ingressos custam R$ 15 (a meia-entrada) e podem ser adquiridos a partir de 8 de abril de 2026 pelo site ccbb.com.br/brasilia e na bilheteria física. O espetáculo que não é recomendado para menores de 16 anos tem programadas duas sessões com Intérprete em LIBRAS aos domingos, nos dias 19 e 26 de abril. Em Sonho Elétrico, uma artista e integrante de uma banda (Verónica Valenttino) é atingida por um raio. Em estado de coma, a protagonista navega pelo limiar entre vida e morte, explorando memórias, sonhos e a possibilidade de despertar para uma nova chance. A narrativa se desenvolve como um percurso sensível na mente de uma artista, servindo como metáfora para a iminência do fim e as oportunidades de transformação que podemos ter enquanto comunidade planetária. A peça, em diálogo com a obra e a interlocução de Sidarta Ribeiro, neurocientista, capoeirista e escritor brasileiro, tem como ponto de partida seu livro Sonho Manifesto: Dez exercícios urgentes de otimismo apocalíptico, no qual compartilha conhecimentos de cientistas, pajés, xamãs, mestras e mestres de saber popular, artistas e inventores que nos lembram da importância de sonhar e agir coletivamente para o futuro do planeta. Também é a continuidade da pesquisa da companhia brasileira de teatro sobre o sonho, a História e a memória, individual e coletiva, iniciada em seu espetáculo anterior, AO VIVO [dentro da cabeça de alguém] (2024). “O autor consegue articular através de uma linguagem direta e acessível um conjunto de proposições e de temas muito diversos, atuais e urgentes. Essa capacidade de diálogo com as pessoas e com a sociedade plural na qual vivemos é o principal ponto de convergência entre o pensamento de Sidarta Ribeiro e o que buscamos nessa peça: uma obra fundamental para consolidar a importância social da arte e seu potencial transformador, que revisita o passado e inspira ações para o futuro, agora”, comenta Marcio Abreu. Sonho Elétrico é uma pesquisa, criação e produção dos membros da companhia brasileira de teatro: Marcio Abreu, Nadja Naira, Cássia Damasceno e José Maria. Com equipe diversa de multiartistas e parceiros colaborativos da companhia, conta com as colaborações criativas de: Key Sawao, bailarina e artista da cena, e que assina a direção de movimento da peça; trilha sonora original e direção musical do multi-instrumentista e compositor Felipe Storino, com colaboração da compositora e cantora Juliana Linhares; assistência de direção do ator, bailarino e pesquisador Fábio Osório Monteiro; figurinos do estilista e criador mineiro Luiz Cláudio Silva e seu Apartamento 03. A Gênese do Projeto Sonho Elétrico é fruto de um processo criativo que se desenvolveu a partir da plataforma Voo Livre, criada em 2023 pelos artistas e produtores Marcio Abreu, Cássia Damasceno, Nadja Naira e José Maria. A relação da companhia brasileira com Sidarta Ribeiro e com temas relacionados ao sonho vem se desenvolvendo em diversos momentos, desde as pesquisas para a criação da peça Sem Palavras, que estreou na França em setembro de 2021. O neurocientista participou de três momentos importantes da plataforma: primeiro, em cena, no acontecimento Voo Livre – Futuros, em outubro de 2023, no Teatro de Arena do Sesc Copacabana, no Rio de Janeiro. Em junho de 2024, volta à cena na reedição de Futuros no Teatro do Sesc Pompéia, em São Paulo. Nesta ocasião, Sidarta também colaborou na residência artística Voo livre – Sonho Manifesto, direcionada a 30 jovens artistas de linguagens diversas, no Galpão do Sesc Pompeia, orientada por Marcio Abreu e a companhia brasileira de teatro, junto a artistas convidados, como Key Sawao, Cristina Moura, Kenia Dias e Helena Vieira. E, numa terceira edição, já chamada de Voo livre – Sonho Elétrico, no CPT – Sesc Consolação, como convidado e palestrante, com a equipe criativa do espetáculo e mais 15 artistas assistentes. Para quem curte teatro Sonho Elétrico / Teatro I do CCBB Brasília – SCES Trecho 02 Lote 22 / em cartaz até 3 de maio de 2026 – quinta, sexta e sábado, às 20h; domingo, às 18h / 90 minutos / Ingressos: R$ 15 (meia entrada) – no site oficial ou na bilheteria física sempre às quartas-feiras da semana anterior às apresentações, a partir das 12h / Estudantes, maiores de 65 anos e clientes Ourocard pagam meia entrada / 14 anos /  sessões com LIBRAS – 19 e 26 de abril / Siga @ciabrasileira e @ccbbbrasilia Com informações da Assessoria de Imprensa – Fotos: Divulgação  

Tradição e sustentabilidade são o foco da 12ª edição do evento que propõe a cultura popular como tecnologia ancestral e estratégia de desenvolvimento sustentável no Cerrado. De 14 a 17 de abril, o Festival Brasília de Cultura Popular realiza sua 12ª edição ocupando o Memorial Darcy Ribeiro, na Universidade de Brasília (UnB), nos dias 14 e 15, e a região do Lago Oeste, área rural do Distrito Federal, nos dias 16 e 17. Com uma programação que reúne conferência, rodas de conversa, vivências no Cerrado, apresentações culturais, aulas-espetáculo, feira de economia criativa e gastronomia tradicional, o encontro consolida-se como uma plataforma de articulação entre cultura popular, sustentabilidade e desenvolvimento. Mais do que um evento, o Festival propõe uma chave de leitura que reposiciona a cultura popular: não como herança estática do passado, mas como tecnologia ancestral viva e estratégica para o futuro do Cerrado. A partir dessa perspectiva, a 12ª edição adota como eixo central a relação entre Cultura Popular, Cerrado e Desenvolvimento Sustentável, defendendo que não existe desenvolvimento sustentável no bioma sem o reconhecimento e fortalecimento dos saberes tradicionais. Em 2026, o Festival presta homenagem ao historiador Paulo Bertran, intelectual fundamental para a compreensão do Cerrado como território histórico e cultural. Sua obra contribuiu para revelar o bioma como uma paisagem cultural viva, onde natureza, modos de vida e práticas sociais se entrelaçam na construção de identidades e formas de existência. “Não existe desenvolvimento sustentável no Cerrado sem reconhecer e fortalecer os saberes tradicionais. O que o Festival faz é colocar esses conhecimentos no centro do debate público”, destaca a coordenadora do festival, Danielle Freitas. As pessoas interessadas nas atividades ofertadas na edição, podem fazer a inscrição gratuitamente no link disponível na bio do perfil do evento. Atividades Ao longo de quatro dias, o Festival se organiza em dois tempos complementares. Nos dias 14 e 15, no espaço universitário, promove reflexões por meio da conferência livre sobre os Objetivos de Desenvolvimento Sustentável (ODS), debates e encontros que conectam mestres da cultura popular, artistas, pesquisadores, estudantes e gestores públicos. O objetivo é inserir os saberes tradicionais no centro das discussões contemporâneas sobre desenvolvimento, em diálogo com a Agenda 2030 da ONU. Já nos dias 16 e 17, no Lago Oeste, a proposta se desloca para o território, convidando o público a vivenciar, na prática, modos de vida sustentáveis que há gerações estruturam comunidades do Cerrado. As atividades incluem experiências com agroecologia, plantas medicinais, cultura alimentar e manejo do bioma, em parceria com iniciativas locais. Conferência  A Conferência livre sobre os Objetivos do Desenvolvimento Sustentável (ODS) acontece como parte da programação do Festival, em 15 de abril, a partir das 9h, e se integra ao processo de formulação em âmbito nacional da Conferência Nacional dos ODS, que acontece entre 29 de junho e 02 de julho de 2026. A iniciativa propõe um debate estruturado sobre a integração da cultura popular às políticas de desenvolvimento sustentável. Reconhece os territórios culturais como protagonistas na implementação da Agenda 2030 e como espaços vivos de experimentação de soluções sociais e ambientais. O encontro reúne mestres da tradição, lideranças, pesquisadores, gestores públicos, juventudes e representantes da sociedade civil para discutir caminhos práticos de integração entre cultura, meio ambiente e políticas públicas. Desta etapa, será eleito um delegado para a Conferência Nacional ODS, a acontecer em junho de 2026, representando as pautas das culturas populares e dos povos e comunidades tradicionais de Brasília. Cultura Popular  Durante o Festival, o público poderá vivenciar a energia da capoeira com o Grupo Beribazu, conduzido pelo professor Mikhael Ael, mergulhar na mitologia cênica e simbólica do grupo Seu Estrelo e o Fuá do Terreiro, e se conectar com os ritmos do Cerrado nas apresentações de Volmir Batista – Batuques e Calangos, que evocam o Brasil profundo em suas sonoridades. E, em se tratando de cultura popular, como não poderia ser diferente, a tradicional Orquestra Alada Trovão da Mata ocupa a Universidade de Brasília com as figuras míticas do Cerrado e seu ritmo próprio, o Samba Pisado. “Ao integrar reflexão, experiência e tradição, o Festival reafirma o papel da cultura popular como tecnologia social capaz de organizar modos de produção, fortalecer relações comunitárias e sustentar práticas ambientais responsáveis,  apontando caminhos concretos para o futuro do Cerrado”, finaliza Freitas. O Festival Brasília de Cultura Popular é realizado pela IBRANOVA e pela Pichaim Produções, com apoio da Fundação Darcy Ribeiro, da Fiocruz Brasília, por meio da Estratégia Fiocruz para a Agenda 2030 (EFA), da Universidade de Brasília — via Licenciatura em Educação do Campo (LEdoC/UnB) e Diretoria de Difusão Cultural e Decanato de Extensão (DDC/DEX) — além do Sítio Floresta. O projeto conta ainda com fomento do Ministério da Cultura do Governo Federal do Brasil. Confira a programação completa: (sujeita a ajustes e alterações) 14 de abril – Abertura do 12º Festival Brasília de Cultura Popular Local: Memorial Darcy Ribeiro – UnB 11h — Abertura da Feira de Economia Criativa 12h — Vivência: Capoeira – Corpo, Território e Resistência 13h — Mesa: A Obra de Paulo Bertran e o Cerrado Vivo 14h — Roda: Agroecologia e Saúde Mental no Cerrado 15h — Vivência: Teatro de Terreiro 16h — Roda: Agroecologia e Cannabis no Cerrado 17h30 — Homenagem: O Cerrado como Civilização 18h — Apresentação: Cultura Popular Tradicional 19h — Apresentação: Orquestra Alada 15 de abril  — Conferência Livre de Culturas Populares e Tradicionais de Brasília sobre os Objetivos do Desenvolvimento Sustentável integra a programação Local:  Auditório do Memorial Darcy Ribeiro – UnB 09h — Credenciamento – Conferência ODS 09h30 — Mesa de Abertura 10h — Plenária de Abertura: Cultura Popular e Agenda 2030 11h — Abertura da Feira 12h — Encerramento da plenária e rodas de diálogo 12h — Vivência: Sambadeiras – Corpo e Ancestralidade 14h — Apresentação das propostas dos grupos 14h — Mesa: A Obra de Paulo Bertran e o Cerrado Vivo 15h — Debate e aprovação das propostas 15h — Vivência: Seu Estrelo – Mito e Território 16h — Eleição da delegação 17h — Mesa de Encerramento da Conferência 17h30 — Cortejo Cultural: